For kunstelskere er Uffizi-galleriet nummer én attraksjon i Firenze. Flere uformelle turister, enten de ser galleriet uavhengig eller på en guidet tur, vil i det minste ha lyst til å se høydepunktene, inkludert det mest berømte arbeidet: Botticelli's Birth of Venus. Bortsett fra størrelsen, er det kanskje den mest oppsiktsvekkende ting å vite før du besøker Uffizi Gallery, at dette var en privat samling av en familie - og bare en del av det. Mer uvurderlig kunst er gjemt bort i sine andre palasser og villaer.

Utover samlere var Medici store kunstmestere, og uten deres patronage kunne mange av disse verkene aldri ha blitt opprettet. På et tidspunkt i turen stopper du for en kort takk til kvinnen som forsikret deg om at denne flotte samlingen - og de andre Medici-kunstene - ville bli her i Firenze. Samlingene ble brevet til byen av Anna Maria Ludovica von der Pfalz, den siste arvingen til huset til Medici, som døde i 1743. Og hun sa at de måtte forbli i Firenze.

Uffizi inneholder en av verdens viktigste samlinger av malerier. Foruten florentinsk og italiensk kunst, inkluderer den også et stort antall utenlandske verk og klassisk skulptur. Den største skatten er den unike samlingen av florentinsk renessansemaleri, en viktig del av denne byens bidrag til europeisk kunst. Disse arbeider fra ca 1300 til 1500 satt veien for hele vestlig kunst som fulgte.

I denne veiledningen finner du høydepunktene i Uffizi's skatter, i henhold til samme rekkefølge som museets egen reiseguide. Kunstverk vises i kronologisk rekkefølge i henhold til når de ble malt, begynner med Rom 2 i andre etasje i Uffizi. Men utenfor Rom 13, det åttekantede galleriet i Tribune, er verkene ikke lenger i kronologisk rekkefølge, men i henhold til skoler, regioner og land. De dekker arbeid fra 1500 til 1700.

1. Cimabues Madonna Enthroned og 1300-tallet toskansk kunst

Rom 2 av Uffizi bringer sammen tre store Madonnas fra rundt 1300, som illustrerer debuten om toskansk kunst og en av de første høypunktene. Disse tre maleriene, sett sammen, er den beste introduksjonen du kan be om, både til Uffizi og til renessanse kunst. Cimabues Madonna Enthroned (ca. 1275) er fortsatt helt i den bysantinske tradisjonen for å male jomfruen, som ser ut som en statue, avviklet fra virkeligheten og omgitt av symmetrisk arrangerte engler. Cimabue's Infant Christ er kledd som en romersk generalsekretær, og det er ingen tegn på noen bytte mellom mor og sønn. Derimot viser Duccios Madonna Enthroned (1285) mer bevegelse, med milde farger og flytende linjer, men fortsatt eterisk og avledet.

Det første utseendet på et menneskelig, realistisk syn er i Madonna Enthroned av Giotto (ca. 1310). Tronen virker nesten innen rekkevidde, tallene har vekt og soliditet, gjør øyekontakt med hverandre og seeren. Giotto var den første kunstneren som representerer jomfruen som en kvinne med fysisk tilstedeværelse, og selv hans mindre figurer er animerte og har forskjellige ansiktsuttrykk. Han bryter seg bort fra de dullere farger av bysantinsk kunst, men bakgrunnen forblir det tradisjonelle gullet. Giottos viktigste og historiske prestasjon var imidlertid hans sammensetning. Han var den første maleren for å skape et veldefinert rom som betrakter øyets øye, og hans pyramide sammensetning skaper en modell som ville vare i århundrer. Giottos mer personlige, realistiske stil var å føre til en ekte renessanse i kunst. Fra da av, ville maleri være en kunst i seg selv, til slutt overskygging av skulptur.

2. Annunciation av Simone Martini & Lippo Memmi (14. århundre toskansk kunst)

De neste galleriene viser hvordan andre malere endret seg fra de gamle normer. Selv om Annunciation (ca 1333) av Sienese kunstneren Simone Martini og svoger Lippo Memmi, fortsatt er veldig gotisk i stil, viser den allerede overgangen til en nyrealisme. Innstillingen, med tårn og gavler, ringer med gotisk arkitektur, men engelens fladrende plagg og jomfruen viser stor forfining og eleganse. Bevegelsene har ømhet og følsomhet, men de delikate kvinnelige bildene er fortsatt nesten eteriske.

Blant annet 1400-tallet er Siena-eksempler Madonna in Glory (1340) av Pietro Lorenzetti, en tilhenger av Giotto, og scener fra St. Nicolaas liv av Ambrogio Lorenzetti, kjent for forsøk på å bruke perspektiv. Den mest fremtredende av Giottos florentinske tilhengere vist her er Bernardo Daddi (1348) og Taddeo Gaddi (1366), hvis altertavler bruker delikate farger og myke, grasiøse linjer for å vise mennesker og innstillinger mer realistisk.

3. Gentile da Fabriano's Adoration of the Magi

Gothic fortsatte å dominere kunst inn i det tidlige 15. århundre, men selv om Gentile da Fabriano's Adoration of the Magi (1423) fremdeles fremmer det gotiske skjønnhetsformålet, markerer den overdådige oppmerksomheten på detaljer den tidlige overgangen fra gotisk til renessanse. Du kan også se i bakgrunnen, under buene på altertavets utsmykkede ramme, begynnelsen av et forsøk på å vise perspektiv da prosesjonen vokser mindre og nesten forsvinner ved skylinen. Dette betraktes som hans mesterverk, og et uttrykk for det internasjonale gotiske maleriet.

Fabriano moderne, Masaccio, revolusjonerte videre perspektivets kunst i sin innsats for å skape tre dimensjoner på en todimensjonal overflate. Masaccios Madonna og barn med St. Anne (ca. 1420), malt med Masolino, er en av hans tidlige arbeider. Han rekker med Brunelleschi og Donatello som en av grunnleggerne av renessansen, en ny kunstopplevelse i virkeligheten, basert på å observere og registrere naturen nøyaktig. Du kan se dette i relief-lignende modellering og realistisk naturlig skjønnhet av ansikter og figurer i Masaccio's altertavle.

Se også på koronasjon av jomfruen av Fra Angelico, den dominikanske munken som var en moderne av Masaccio, og hvis mystiske religiøse kunstkunst tar ham i motsatt retning. Men han var innoverende på andre måter. Mens han fortsatt bruker gullbakgrunner og eterisk draperte figurer, skaper Fra Angelico sine rike farger og sirkulære arrangement av figurer et samlende bildeperspektiv.

4. Domenico Veneziano er jomfru og barn

Veneziano overfører den forrige konvensjonen med en gullbakgrunn for en altertavle, i dette 1445-arbeidet, til perspektiv til nye høyder ved å plassere de hellige harmonisk i en halvcirkel, og forsterker effekten av dybde ved de innrammede marmorens geometriske mønstre. Hans viktigste innovasjon kom imidlertid som en mester av realistisk lys og skygge. Hans fine nyanser og delikate fargetoner var langt foran de solide områdene av sterk farge som ble brukt av hans florentinske samtidige. Venezianas bruk av lys og farger påvirket arbeidet til Piero della Francesco, som ofte samarbeidet med ham.

5. Portretter av hertugen og hertuginnen av Urbino av Piero della Francesca

Portrettmaleri var et annet fokus for tidlig renessanse kunst - og en som holdt beskyttere lykkelige. Portretter av hertugen og hertuginnen av Urbino av Piero della Francesca fra rundt 1465 er et godt eksempel. Men Piero fløyte ikke sine sittere, og viste hertugens nese, rynker, tynne lepper og slitne bygg. Legg merke til bakgrunnen, et sjeldent eksempel på tidlig renessanselandskap.

Mer som et portrett enn religiøs kunst, er Filippo Lippi's Virgin og Child (ca. 1460), en elegant kledd ung Mary med to smilende engler, en scene som viser kjærlighet og øyekontakt mellom mor og barn som reflekterer økende sekulariserte tolkninger av religiøse temaer. Rom 9 har store paneler av de syv dyder, av Piero del Pollaiolo. Faktisk, Piero malt bare seks, den syvende er en av de tidligste verkene fra Botticelli.

6. Botticellis fødsel av Venus

Som bringer deg inn i Firenzes gyldne tidsalder og til en av sine lyseste stjerner, Botticelli. Sammen med deres egen aggrandizement, var de patrianske florentinene sterkt interessert i klassisk litteratur og filosofi, og Botticellis mest kjente verk, Venus og Primavera, begge bestilt av en Medici, reflekterer dette. I Venus fødsel (1482/1483) kombinerer Botticelli klassisk og kristen tanke når det gjelder renessansideer, som gjenfødelse av ånden fra klassisk mytologi og kristen teologi. Han maler en kvinnelig nøgen modellert på en klassisk statue av kjærlighet gudinnen Venus, og innebærer en kristen dåp (som Kristus blir døpt i Jordan). Sammenlign denne florentinske tenkningen med den flamske maleren Rogier van der Weydens Entombment (ca. 1450) og Portinari Altarpiece av Hugo van der Goes, begge i samme rom, for å sette pris på hvor mye disse florentinske ideene skiller seg fra Nord-Europa. Der ville en naken være utænkelig, og tallene er skjult i draperi.

Botticelli malte altertavlen Adoration of the Magi rundt 1475 da han var rundt 30, og kommisjonen inkluderte å skildre medlemmer av Medici-familien og deres medarbeidere blant tilskuerne. Han arrangerte gruppen i en pyramide med den hellige familie på topp, under dem de tre kongene - de tre høyest rangerte Medici - og under dem for å rangere mer Medici og deres venner. Selve temaet ser ut til å falle tilbake i bakgrunnen, og tjener mer som et påskudd for en fantastisk representasjon av Medici og deres tilhenger.

7. Annunciationen av Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci levde på et tidspunkt av vitenskapelig funn som spurte bibelske regnskap som den eneste modellen for å forklare universet. Et hovedtrekk ved sitt arbeid, enten maleri eller skulptur, førte naturen inn i sitt arbeid på en måte som gjorde mystiske religiøse temaer mer troverdige i en verden som raskt ble klar over vitenskapen. I dette tidlige arbeidet viser han engelens vinger som realistiske fuglvinger dekket av fjer.

Leonardo tar også følsomt inn atmosfæren av sin tid i Magiets tilbedelse (1481). I midten av dette uferdige bildet ser Madonna og barn frem som en stabiliserende innflytelse, omgitt av en hevende masse mennesker som hilser fødselene med undring og forbauselse eller med tvil og frykt. I stedet for en folkefortelling får Nativity en ny dimensjon av verdensløsning.

Rom 16 er det siste i den første delen av rundvisningen til Uffizi, som er viet til florentinsk og toskansk kunst fra 1300 til 1500, hovedsakelig i kronologisk rekkefølge. Kunsten i den senere italienske renessansen følger i rom 25 og fremover, ordnet etter skulpturer av maleri.

8. Tribunaen

I midten av den fantastiske ottekantede Tribuna, i seg selv et kunstverk, er Medici Venus, den mest berømte klassiske marmoreskulpturen i Firenze, og syntes å være en sen gresk versjon av Aphrodite av Cnidus av Praxiteles. På veggene er Mannerist-portretter av Medici-familien fra midten av 1500-tallet, den mest fremragende av Pontormo, Bronzino og Vasari. Pietro Perugino, en student av Verrocchio og lærer i Raphael, er representert av Madonna med hellige og ulike portretter som viser sin tredimensjonale realisme og nedsatt farge som banet vei for den klassiske kunst av renessansen. På samme måte viser turbulensen og fargen til Luca Signorellis stil, som du ser, hans Hellige Familie ( ca. 1495) og Madonna og Child, derimot mye mer turbulens og bevegelse, en innflytelse på den unge Michelangelo.

9. Albrecht Dürer er beundring av Magi

Samtidig som florentinske og andre italienske malere endret kunstverdenen, flyttet tyske kunstnere inn i sin egen renessanse, som du vil se i mesterverk av Albrecht Dürer. I beundring av Magi (1504) viser Dürer sin forståelse av både perspektiv og lysspillet i draping av klær. Han bruker lyse forgrunnsfarger for å fremme perspektivets illusjon. Som andre tyske og nordeuropeiske kunstnere, inneholder han et vell av detaljer og strever etter omhyggelig realisme. Nürnberg-kunstneren er også representert av sin jomfru og barn (1526) og av en av hans tidligste verk som fortsatt eksisterer, Faderens portrett (1490).

Works av den tyske kunstneren Lucas Cranach inkluderer hans portrett av Martin Luther og hans kone Katharina, et selvportrett, en imponerende Melanchthon, og en ganske erotisk Adam og Eva . Venetiansk maleri, preget av myk farge og balansert lys, er representert av Giovanni Bellinis religiøse allegori (ca. 1485) og Giorgionos portrett av en maltesisk rytter. Også representerer høy renessanse kunst i Nord-Italia er religiøse verk av Antonio Allegri, bedre kjent som Correggio, hvis diagonale komposisjoner, lyseffekter og uvanlige dybder av perspektiv hadde en varig innflytelse på senere barokkmaleri.

10. Michelangelo's Holy Family og High Renaissance

Michelangelo's Holy Family (1504/1505), kjent som Doni Tondo, har ingen religiøs følelse, familien ser ut som om den er skåret ut av en blokk og viser Michelangelo sin sterke bakgrunn i skulpturen. I dette maleriet vil du se hint av hans mesterverk på taket av det sixtinske kapell i overflod av nakne figurer og de lyse, iriserende fargene. Rafaels dødsår (1520) markerte begynnelsen på menneskeheten, den reneste renhetsfase som varet til om 1600. Avviket fra klassiske stiler inkluderte unaturlige former og farger, vist ved den nesten todimensjonale sammensetningen av Rosso Fiorentinos Moses forsvarer Jethros døtre (1523), hvis figurer virker uvirkelige, nesten som artikulerte dukker.

Tre viktige verk av Raphael fra samme periode inkluderer et selvportrett (ca. 1506), hans sjarmerende jomfru Maria med gullfinken og pave Leo X med kardinaler Giulio de 'Medici og Luigi de'Rossi. Raphael skildrer paven som individ og intellektuell, ikke bare en sterk leder. Andrea del Sartos Madonna med Harpiene, en monumental altertavle som er typisk for florentinsk renessanse-kunst, kombinerer Raphaels myke teknikk med Michelangelo monumentality og Leonardo da Vinci's atmosfæriske egenskaper. Mannerismen var 1600-tallets overgang mellom renessanse og barokk, turbulent og full av bevegelse, forvrengende virkelighet og mystisk tolkning av fromhet. I Jacopo da Pontormos kveldsmåltid på Emmaus (ca. 1525) ser du innflytelse fra hans lærere Leonardo da Vinci og Andrea del Sarto smeltet med inspirasjon fra Raphaels sentrale arbeid og Michelangelos monumental kunst.

Works av den store venetianske maleren Titian inkluderer Venus of Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Venus og Cupid (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco Maria, Duke of Urbino og La Flora, en av hans fineste portretter av kvinner . Venus of Urbino er spesielt interessant for måten Titian bruker nyanser av rødt for å trekke de ulike delene av bildet sammen diagonalt. Girolamo Francesco Maria Mazzola, kjent som Parmigianino, ble på sin side påvirket av Correggio, den romerske høyrenessansen og mannerismen . Madonna med Long Neck, malt mellom 1534 og 1540, er et godt eksempel på manneristforvrengning, med sine langstrakte figurer og merkelig lys.

11. Veroneses Hellige Familie med St. Barbara

Hvis øynene dine ikke har blinket over nå, se i de gjenværende galleriene, som inneholder en rekke mesterverk, spesielt flere av venetianske kunstnere. Paolo Veroneses hellige familie med St. Barbara gjenspeiler Venezias overdådighet i sine gyldne toner og helgenes rike antrekk. De realistiske figurer og uttrykksfulle ansikter er typiske for venetianske malere. Også i dette galleriet er Veronese's Annunciation og Martyrdom of St. Justina, og Tintoretto's Portrait of a Man. I neste rom er flere flere av Tintoretto. Se også, for Lederen av en ungdom ved Lorenzo Lotto (1505).

I etterfølgende gallerier er verk av Van Dyck og noen av Rubens fineste arbeider - Henry IV i Ivry og Henry IV Entering Paris, Isabella Brandt, og Ferdinandens innføring i Østerrike i Antwerpen. På Niobe-rommet, se etter den fineste klassiske skulpturen i Firenze etter Medici Venus, Medici Vase fra det andre århundre f.Kr.

12. Rembrandt portretter

Gjennom sin karriere, som sammenfaller med den gylne alderen av nederlandsk maleri, malte Rembrandt en serie selvportretter, hvorav to er vist i Uffizi. Når han registrerer endringene i seg selv fra den selvsikker ungdom til den aldrende maleren, registrerer han også sin reise som kunstner. Vist med disse er hans portrett av en gammel mann, malt på omtrent samme tid som hans senere selvportrett.

Se her, også, for verk av Caravaggio, inkludert hans Youthful Bacchus, Medusa, og Isakets Offer. Den oppsiktsvekkende realismen til de to sistnevnte verkene intensiveres av Caravaggios strålende følelse av drama i bruk av lys og skygge.

Tips og turer: Hvordan få mest mulig ut av ditt besøk til Uffizi Gallery

• Tours of the Uffizi Gallery: Besøkende på et Skip the Line: Florence Uffizi Gallery Tour kan omgå de lange linjene for å se alle høydepunktene og lære om kunstnere og deres verk med en kunstekspertguide. Den 1, 5-timers tur er tilgjengelig ettermiddag hele året, morgen og om kvelden om sommeren. Billetten gir deg muligheten til å forbli etter turen for å utforske på fritiden. Hopp over linjen: Florence Uffizi Gallery Billetter lar deg omgå linjene og utforske galleriet på egenhånd uten guide. Et annet alternativ er å kombinere Uffizi med det andre store kunstgalleriet på en Skip the Line: Florence Accademia og Uffizi Gallery Tour, tilbringe 1, 5 timer i hvert museum med en kunstekspertguide. En tur er om morgenen, den andre om ettermiddagen, hver gang omgå vente linjene.
• Å besøke Uffizi-galleriet på egen hånd: Selv om du kan forvente linjer for opptak til å være veldig lang vår gjennom høst, er den lengste på helger, tirsdager og om morgenen. Hvis du ikke reserverte billetter på forhånd, kan du noen ganger kjøpe dem på museet billettkontoret på Orsanmichele kirke (lukket søndag). De kan ikke ha noen tilgjengelige, men det er verdt et forsøk. Lydturer er tilgjengelige, men den lille guideboken som selges ved inngangen, er mer detaljert.

Adresse

• Piazzale degli Uffizi 6 (utenfor Piazza Signoria), Firenze